Notresite Web est le meilleur qui vous offre CodyCross Dessinateur de BD tourné vers la science-fiction réponses et quelques informations supplémentaires comme des solutions et des astuces. En plus de CodyCross, le développeur Fanatee Inc a créé d’autres jeux incroyables. CodyCross Bienvenue au Japon Groupe 577 Grille 5 Spécialisédans la science-fiction hyperréaliste, l’Argentin, connu surtout pour la série « La Caste des Méta-Barons », s’est éteint, vendredi 3 avril, à l’âge de 76 ans. Lemicrocosme français de la bande-dessinée est en deuil car il vient de perdre l’un de ses plus illustres représentant. Le dessinateur Jean-Claude Mézières est décédé à l’âge de 83 AndréPapazian – scénariste de Zorro. Fils du dessinateur de bandes dessinées Jean Pape (1920-2002), connu pour ses BD de Zorro, Sergent O’Brien ou Mick Arsène, André Papazian est un auteur-scénariste atypique qui évolue dans les domaines du voyage en train, de la batellerie de plaisance, du tourisme et de la BD. JeanGiraud, plus connu sous le nom de Mœbius, est mort samedi à Paris. Né en 1938 à Nogent-sur-Marne, il s’était fait connaître sous le pseudonyme de Gir en dessinant le Vay Tiền Nhanh Chỉ Cần Cmnd Nợ Xấu. SERIE Professeur Infini DESSINATEURS SCENARISTES EDITEURS COLLECTION PRIX 16 € DATE DE SORTIE 05/06/2015 EAN 2070655016 Achat Brillant scientifique, le Professeur Infini a vu sa carrière basculer le jour où l’une de ses expériences sur les univers parallèles a malencontreusement tourné à la catastrophe, le transformant en petit homme bleu et perturbant par la même occasion l’équilibre des univers ! Depuis cet instant, il déploie toute son énergie, et son savoir, pour tenter de réparer les dégâts. Pour retrouver son apparence initiale, il lui faut recréer un passage vers la dimension qu’il a endommagée. À cette fin, le Professeur Infini s’est entouré d’une équipe de choc composée de compagnons assez curieux, Olrik, Miss Ward, Iva ou encore Miles, tous dotés de pouvoirs étonnants. Pour cette bande d’aventuriers, tout va subitement se bousculer et s’accélérer avec la découverte d’une humanoïde à la peau bleue ! Sera-t-elle la clé de tous les problèmes du Professeur Infini, ou au contraire le catalyseur de ses soucis ? La collection Bayou, que les éditions Gallimard et Joann Sfar chouchoutent depuis une dizaine d’années maintenant, accueille cet été deux petits nouveaux dans leurs rangs en la personne du Professeur Infini et de Marc Lataste son créateur, qui publie ici son tout premier album BD au format papier. Rapidement, on perçoit chez cet auteur, qui en parallèle s’intéresse depuis longtemps aux webcomics et à la BD numérique, de multiples influences issues du monde de la BD, de l’animation et des jeux vidéo des années 80 et 90. Les jeunes quarantenaires qui ont grandi dans ces univers retrouveront avec plaisir de nombreux clins d’oeil sympathiques. Mais cette aventure où la science-fiction prédomine s’adresse également aux jeunes lecteurs qui n’auront pas de mal à adhérer au scénario parfaitement huilé qui leur est proposé. De l’action, du mystère, un voile de sentiments, des péripéties et des rebondissements, tout cela s’articule et prend forme avec beaucoup de fluidité tout au long des 96 pages bien rythmées de cet album. Côté dessin, tout est aussi simple et efficace, un trait assuré, un traitement des couleurs percutant et des personnages attachants. Toutes les influences sont parfaitement maîtrisées et ne plombent pas, loin de là, la dynamique créée ! Ce premier tome ouvre pas mal de pistes pour la suite et on espère que Marc Lataste aura l’occasion d’approfondir son univers avec une suite à la hauteur de ce premier essai, transformé haut la main ! Edmond le Cochon T2 Album BD de la Série Edmond le Cochon Titre Edmond le Cochon Paru le 17 Juin 2010 Dessin Jean-Marc Rochette Scénario Martin Veyron Genre Humour Public Ados-Adultes Editeur CORNÉLIUS Collection SOLANGE EAN 9782915492347Prix public 22,50 € Ce qu'en dit l'éditeur Suite de la réédition de l'intégrale ... Suite ... Edmond le Cochon T1 Album BD de la Série Edmond le Cochon Titre Edmond le Cochon Paru le 01 Juin 2003 Dessin Jean-Marc Rochette Scénario Martin Veyron Genre Humour Public Ados-Adultes Editeur CORNÉLIUS Collection SOLANGE EAN 9782909990880Prix public 22,50 € Ce qu'en dit l'éditeur Au début des années 80, faisant écho à ... Suite ... Alfred Hitchcock - AFP / Rue de Sèvres 2018Plusieurs albums de BD sortis récemment retracent le parcours, réel ou imaginaire, de cinéastes célèbres ou tombés dans l' Spirou, Marvel… Le cinéma raffole de BD. Le 9e Art, de son côté, est souvent considéré par des nombreuses personnalités du 7e Art comme un moyen pour faire des films à bas coûts on ne compte plus les scénarios inachevés ou non produits devenus des albums ou les scénaristes et réalisateurs qui se sont tournés vers l’édition pour étancher leur soif de 2018, une demi-douzaine de BD sur le sujet a paru. Inscrits dans des genres très différents livre pour enfants, enquête, pastiche…, ces titres évoquent pour la plupart des pans désormais disparus, voire oubliés, de l’Histoire du 7e Art. Et ont une ambition les remettre au goût du d’Hitchcock, La Bobine d’Alfred de Nicolas Pitz et Malika Ferdjoukh est animé d'une ambition didactique, voire ludique. Tout comme Avec Edouard Luntz de Julien Frey et Nadar ou encore Midi-Minuit de Doug Headline et Semerano Massimo, hommage au cinéma d’exploitation italien des années 1960 et de BD parlant de cinéma © Rue de Sèvres / Futuropolis / DupuisLorsque l’on évoque des films aussi célèbres que ceux de Hitchcock ou un genre aussi codifié que celui du giallo, impossible de ne pas truffer son histoire de références. "Le but était de prendre des petites choses de chacun de ses films, sans cela ne nuise pas au récit", précise Nicolas Pitz, dessinateur de La Bobine d’ d’un roman de Malika Ferdjoukh destiné à la jeunesse, cet album vise cependant un public plus large. "Comme on parlait d’Alfred Hitchcock, on avait vraiment peur de perdre tout le monde si on visait un public trop jeune, parce qu’il y a beaucoup de références", indique-t-il, avant d’ajouter "J’ai fait des interventions scolaires au festival d’Amiens. C’était très compliqué. Il y en avait généralement qu’un ou deux élèves qui savaient qui était Alfred Hitchcock".Midi-Minuit © DupuisDonner envie aux gens d'aller voir des filmsDans Midi-Minuit, histoire qu’il devait réaliser au cinéma, Doug Headline imagine une enquête policière tournant autour d’un cinéaste fictif, Marco Corvo, sorte de mélange entre le romancier italien Valerio Evangelisti et le cinéaste culte Mario Bava. Pour parfaire ce personnage, le scénariste a imaginé une filmographie aux titres plus vrais que natures et parodiant Dario Argento Un papillon sous la lune de sang, La Valse lente du scorpion, Le Chaud baiser de la tarentule…"Le but du jeu était de semer le doute chez le lecteur pour qu’il se demande si ce réalisateur italien dont on parle a vraiment existé", commente celui qui veut jouer avec les codes du giallo, un genre "extrêmement ludique et amusant". Bien que ces films soient en grande partie assez mauvais "il y en a environ 180, dont 140 à jeter", estime-t-il, son ambition est de "faire connaître des films qui ne sont plus si faciles d’accès que ça" et "donner envie aux gens d’aller les découvrir".Pour ressusciter ce cinéma d’antan, décimé dans les années 1980 par l'avènement de la vidéo et la mainmise de Berlusconi sur la production, Midi-Minuit propose un dossier thématique sur le sujet. Doug Headline appuie également son récit sur des anecdotes véridiques et utilise de véritables phonogrammes de classiques du cinéma bis italien. "Il faut montrer à quoi ça ressemblait", indique le fils de Jean-Patrick Manchette qui a glissé, dès les premières pages, une perle du genre Vierges pour le bourreau - "un des films les plus mal joués de l’histoire du cinéma", selon Edouard Luntz © FuturopolisDonner à voir des films disparusLe scénariste Julien Frey et le dessinateur Nadar se penchent eux aussi sur un cinéma disparu. Dans Avec Edouard Luntz, le duo redonne vie à la filmographie de ce cinéaste français, devenue invisible. "Je n’aime pas trop aller vers ce qui brille", précise Julien Frey. "Je préfère les gens dont on ne parle pas. Je ne sais pas si c’est une bonne idée, mais c’est naturellement vers cela que je vais."Pour retracer la carrière de cet auteur d’une dizaine de films dont un, Le Grabuge, a complètement disparu après un litige avec son producteur Darryl F. Zanuck, Julien Frey a préféré recourir aux "moyens illimités de la BD" "En terme de récit, l’album est très alambiqué et pour le cinéma jamais, je crois, un producteur n’aurait accepté ça. Avec la BD, on est libre de dessiner et d’écrire ce que l’on veut."Avec Edouard Luntz "n’est pas une biographie", insiste Julien Frey. "Ce n’est pas non plus une fiction, parce que l’on parle d’événements réels. C’est plus une enquête-reportage, une déclaration d’amour à un cinéaste et une interrogation sur le destin des films que l’on n’a pas les moyens de restaurer." L’album donne à voir les films de Luntz, dont seul le premier, Les Cœurs verts, a bénéficié d’une sortie DVD. "L’idée de l’album est de partir à la rencontre de Luntz à travers ses films et les gens qu’il côtoyait au cours de sa vie", analyse Julien Frey. "C’était important de montrer les films. Puisqu’on ne peut pas les voir, au moins, on peut les lire et plonger dans cet univers à travers l’album".Certains photogrammes ont été reproduits fidèlement, d’autres ont été inventés, notamment pour Le Grabuge. Lorsque l’on s’attaque au cinéma, et a fortiori à des personnalités connues du grand public, difficile d’éviter le mimétisme. Nadar a trouvé un compromis. "Il a simplifié les personnes existantes, comme Michel Bouquet, de sorte que les lecteurs les reconnaissent immédiatement", explique Julien Frey. "Pour d’autres personnages, il a choisi a de se démarquer de la réalité, comme si des comédiens interprétaient les rôles".Couvertures de BD sur Luis Bunuel et Alfred Hitchcock © Glénat / DargaudHitchcock caricaturéMême son de cloche pour Luca Erbetta, dessinateur de Dans les eaux glacées du calcul égoïste, polar qui évoque les mœurs dissolues de l’entre-deux-guerres via le trio infernal Dali, Buñuel et Cocteau. "Je n’avais aucune directive. J’ai composé avec mon style, qui est plutôt réaliste. Je me suis concentré sur l’expression des personnages plutôt que sur une représentation précise du visage de chacun", dit le dessinateur, qui a privilégié le romanesque sur le une scène, Dali et Buñuel se gaussent devant un film pornographique. La scène n’a sans doute pas eu lieu, mais peu importe "L’idée n’est pas de faire une biographie exacte, mais de raconter un esprit de l’époque. On a joué sur ce qui aurait pu être. Ils étaient assez subversifs. Il est bien probable qu'ils aient pu voir un tel film". Pour retrouver le Paris des années vingt et le parfum des films de l’époque, le dessinateur a donc travaillé sur un papier jauni et a usé d’un "noir et blanc coloré" tout en privilégiant des cadrages très Pitz, quant à lui, a employé des couleurs proches du Technicolor. Comme l’histoire est vue par les yeux d’un enfant, il voulu éviter un dessin trop réaliste. Son Hitchcock est donc caricaturé "C’est un enfant projeté aux Etats-Unis. Le trait devait être assez enfantin. Le personnage voit ce qu’il se passe comme je l’ai dessiné".Preuve que Hitchcock continue de fasciner Dargaud sortira le 14 septembre Sir Alfred Dargaud de Tim Hensley, qui propose une série d’anecdotes apocryphes et moqueuses sur l’auteur de La Mort aux trousses. Casterman publiera prochainement Cooper - Un guerrier à Hollywood de Florent Silloray, une biographie du réalisateur de King Kong, connu pour ses penchants esclavagistes et son Maccarthysme primaire. Franco-Belge, Comic & Manga Blog/ex-Librairie Soleil Vert Si vous avez tous eu entre vos mains un album de Tintin, une série de Tezuka ou un exemplaire de Batman, vous avez peut-être remarqué qu’en fonction des pays, le livre BD varie substantiellement dans sa taille, son format, sa pagination, sa conception, sa diffusion. Je vous propose d’en faire rapidement le tour, d’établir les caractéristiques des 3 formats les plus répandus Europe, Etats-Unis, Japon. Car chaque format a ses contraintes, et ces contraintes déterminent la conception écriture, dessin, couleurs, la fabrication et la diffusion… 1 La BD Franco-Belge La Bande Dessinée dite franco-belge » correspond, vous le savez, à l’album de 46 pages couleurs qui a été peu à peu modelé par les éditeurs historiques Casterman, Dargaud, Dupuis, Le Lombard. Même si le recours au logiciel de type Photoshop est en passe, comme aux USA, d’uniformiser la mise en couleur des BD européennes, on trouve encore sur le continent des pages réalisées en couleur directe à la main, traditionnelle. Malgré l’explosion récente du Roman Graphique la BD qui se lit comme un roman, en one-shot, la plupart des albums franco-belges sont des histoires à suivre », c’est-à-dire qui s’inscrivent dans une logique de série personnage, genre, décors, ton récurrents. Leur fabrication prend du temps, seuls 2 ou 3 auteurs scénariste, dessinateur, coloriste travaillent dessus. Et même si les livres ne font que 46 pages, le niveau de détail attendu, surtout pour une série au trait réaliste, est élevé. C’est pourquoi, il faut souvent attendre 1 an avant de voir le tome suivant sortir. Ce format s’inscrit également dans le marché du livre européen, qui diffère du modèle anglo-saxon. En Europe continentale, les créateurs sont considérés comme des auteurs. Ils perçoivent des droits d’auteurs, sont intéressés au succès éventuel de la série ou de l’album s’il/elle est adapté/e au cinéma Persépolis, Les Profs, Quai d’Orsay, Le Chat du rabbin…. Ils ont également un droit de regard sur leur œuvre, puisqu’elle est leur création. Il faut nuancer cependant cette affirmation. Nous voyons émerger une nouvelle forme d’œuvres hybrides, qui sont à la confluence des modèles européens et anglo-saxons. Des auteurs travaillent sur des licences dont ils ne sont pas les créateurs. C’est le cas de Spirou & Fantasio, Blake & Mortimer, XIII Mystery… En général, c’est l’éditeur qui a récupéré les droits de la série et souhaite les exploiter au mieux. Cette stratégie d’éditeur convient aux auteurs qui sont sollicités la rémunération proposée est intéressante et il y a une réelle possibilité de percevoir une part des bénéfices d’une publication très grand public, après remboursement des avances sur droits. Si on s’éloigne du droit d’auteur à la française, on ne duplique pas non plus les règles du copyright anglo-saxon. 2 Les Comics Miller, Batman Aux USA, les éditeurs classiques publient d’abord la série ou la mini série sous formes d’épisodes de 22 pages, dans un format souple, incluant souvent des encarts publicitaires. C’est ce qu’on appelle les issues ». Ces épisodes sont diffusés tous les mois en magasin spécialisé. En format souple, comme n’importe quel autre magazine. Ensuite, quand le récit est complet, l’éditeur publie l’intégrale sous forme d’un recueil de taille variable, cela dépend du nombre d’épisodes appelé Trade Paperback ». Ce recueil dispose cette fois d’une couverture brochée et l’éditeur a pris soin d’enlever les encarts publicitaires. Si l’on trouve les Trade Paperback en Comic Book store, on peut également les acheter en librairie généraliste. Le gabarit d’une page de comic book est plus étroit que celui d’une planche franco-belge 17×26 cm au lieu de 24×32 cm. En conséquence, le découpage d’une page américaine tourne autour de 5/6 cases environ, moins qu’en Europe. Les cases mettent plus en scène l’action et les personnages que les décors et les accessoires. Enfin, le choix des cadrages est plus cinématographique, la narration se voulant dynamique et hollywoodienne gros plans, insert, case au format cinémascope… En outre, les comics sont des récits plus longs que ceux de leurs homologues européens, mais il faut ensuite tenir les cadences. Le dessinateur doit rationnaliser son travail. Illustrer un décor prend plus de temps. Comme pour le marché européen, la BD américaine est en couleur. Une couleur aujourd’hui réalisée principalement par ordinateur, ce qui lui donne un côté plus industriel que sa sœur franco-belge. Le rendu des comics d’aujourd’hui est assez uniforme d’un éditeur à l’autre, d’une série à l’autre souvent brillant, réhaussé d’effets de lumière numérique. Ce que la chaîne de production gagne en efficacité, elle le perd hélas en diversité. La BD américaine est de manière générale très industrialisée, taylorisée. Chaque tâche est souvent accomplie par un collaborateur différent scénario, dessin, encrage, lettrage, colorisation. Cela correspond aussi au modèle économique américain et anglais le copyright. C’est l’éditeur qui détient les droits de la série personnages, univers. Les artistes sont considérés comme des prestataires, ils sont payés à la tâche, ne perçoivent pas de droits d’auteur et n’ont pas de droits de regard sur la série. 3 Les Mangas Le Manga est né après la seconde guerre mondiale, ce qui explique l’apparition de certaines conventions liées aux nécessités de l’époque produire un contenu à faible coût. Une bonne partie des codes graphiques du Manga ont été établis par l’un de ses pères fondateurs Osamu Tetzuka Astro Boy, Le Roi Leo, Les 3 Adolf…, grand fan des productions Disney. Le sens de lecture correspond à la norme japonaise, il est inverse à la règle occidentale de droite à gauche. Désormais, en France, comme aux USA, les versions traduites respectent cette logique. Ce qui demande au lecteur de s’habituer à lire les cases dans le sens inverse que celui appris à l’école… La page est Noir & Blanc elle coûte moins cher à la fabrication. Pour pallier cette absence de diversité chromatique, le Manga compense par l’utilisation de calques de trames, qui permettent de créer des effets, des nuances. Contrairement au marché américain et européen, les publications japonaises continuent d’être primo-diffusées en presse, dans d’énormes journaux d’éditeurs Shônen Jump, Shônen Magazine, Shônen Sunday par exemple qui testent ainsi le potentiel commercial des séries avant de les publier en librairie. Les séries sont initialement publiées chapitre par chapitre, sur du papier de mauvaise qualité, à l’intérieur d’imposants recueils mensuels ou hebdomadaires. Si le succès public est au rendez-vous, la série continue et a droit à sa republication en volumes, qui compilent plusieurs chapitres. Quelques séries ne font que 5 volumes, les autres en compte 10 ou 20. Chaque volume comporte environ 20 pages. Si le décor est traité de manière réaliste, les personnages sont plus stylisés et leurs yeux sont volontairement agrandis cela vient de la passion de Tezuka pour les films de Disney. Ce qui rend la tâche du dessinateur plus facile, il a plus d’espace pour marquer les changements d’émotions de ses personnages. Du fait du nombre de pages demandée bien plus conséquent, les auteurs de Manga privilégient depuis l’époque de Tezuka des plans cinématographiques plans serrés, découpage minutieux d’un moment d’action. En clair, le Manga est plus proche de la narration audiovisuelle que les comics ou le format franco-belge. Le recours au lettrage graphique, inséré dans l’image, notamment les onomatopées, est beaucoup plus fréquent que dans les ouvrages occidentaux Toriyama, Dragon Ball Super Le format est encore plus petit que celui des comics un peu moins qu’un A4 14×21 cm, qui est déjà plus petit que celui des BD européennes, mais contient autant de cases qu’un comic book. Les cases ont plutôt des formes de parallélépipèdes, les bandes sont souvent obliques. Enfin, dans les publications Shônen et Shôjo pour adolescents, les personnages peuvent soudainement être caricaturés quand ils sont sous le coup d’une émotion forte colère, honte, par exemple. C’est ce qu’on appelle le format SD ou Super Deformed » exemple de SD Wikipedia À la suite de mon article paru dans le collectif Les dieux cachés de la science-fiction française et francophone, dirigé par Natacha Vas-Deyres, Patrick Bergeron, Patrick Guay, Florence Plet-Nicolas et Danièle André, je poursuis mon exploration de la bande dessinée de science-fiction française pré-1945. Aujourd’hui, il sera à la fois question d’un ouvrage peu connu de Calvo, La Croisière fantastique, et d’une collection de récits complets des années 1940 publiée par les éditions SEPIA, Les Cahiers d’Ulysse. Calvo et sa Croisière Fantastique C’est d’abord par l’intermédiaire d’Edmond-François Calvo que j’ai découvert cette manne de bandes dessinées populaires de science-fiction que sont les Cahiers d’Ulysse. Quand on évoque le nom de Calvo, on pense avant tout à Patamousse, à La bête est morte, à Moustache et Trotinette, bref, à une imagerie animalière et enfantine ambivalente qui oscille de mignonnes fantaisies champêtres à des paraboles politiques nettement moins innocentes. Le tropisme animalier de Calvo ne doit pas faire oublier que dans une première partie de sa carrière il est né en 1892, il a commencé comme dessinateur de presse au Canard enchaîné. C’est surtout à partir de la fin des années 1930 que sa carrière au service du public enfantin se développe véritablement surtout à la Société Parisienne d’Edition et qu’il choisit, dans les années 1940 et 1950 ce style animalier qui l’a rendu célèbre. Néanmoins, comme le note Gilles Ratier avec justesse, la part de l’oeuvre de Calvo hors du registre animalier n’est finalement pas si négligeable, et La Croisière fantastique en est un bon exemple. Il est aussi l’exemple unique d’une incursion de cet auteur dans le genre de science-fiction Calvo préfère le plus souvent le moyen-âge comme terrain de prédilection du dépaysement aventuresque. La Croisière Fantastique est un récit complet scénarisé par un certain Alain Monjardin » et publié par les éditions SEPIA. Il raconte l’histoire de trois ingénieurs français, une femme et deux hommes, qui, au cours d’une expédition maritime qui tourne mal, vont découvrir l’Atlantide. Ce territoire sous-marin est divisé en deux camps, celui du roi Eric Kral, le méchant » et celui de l’impératrice Sylvayne, la gentille ». L’histoire est d’un manichéisme désolant qui n’est pas sans rappeler La bête est morte, dessiné presque en même temps. D’abord séparés dans l’un et l’autre camp, les ingénieurs se retrouvent finalement auprès de l’impératrice bienveillante qu’ils vont aider à triompher du roi Eric Kral. Tout le récit est conçu sur un mode binaire le roi Kral, conseillé par le savant Nodji, invente des machines pour combattre l’impératrice et récupérer l’ingénieur Maurice dont le savoir lui serait utile, et Maurice imagine des parades à chaque nouvelle invention jusqu’à réussir à détruire l’armée adverse et éliminer Kral et Nodji lors d’une ultime poursuite. Le mécanisme répétitif donne lieu à un récit court, plutôt dense, qui a peu à voir avec le reste de la production de Calvo. Une couverture en couleurs où Calvo montre son goût pour le grotesque En tant que récit de science-fiction, on remarque tout de suite, dans les thèmes, une double influence d’un côté le scénariste Monjardin exploite le bon vieux principe du mélange science-fiction/fantasy venu des auteurs anglo-saxons ; de l’autre il se rattache bien à deux mythes de la littérature de science-fiction européenne, voire française l’ingénieur-héros qui s’oppose aux surhommes et soldats à l’américaine et l’Atlantide. Cette référence à l’Atlantide mérite d’être examinée plus précisément. Ce mythe ancestral remontant à l’antiquité grecque est bien connu de la littérature française et donne toujours lieu, dans l’entre-deux-guerres, à plusieurs fictions déjà chez Jules Verne dès 1869, puis avec L’Atlantide de Pierre Benoit en 1919, ou documentaires l’abbé Théophile Moreux, vulgarisateur scientifique, avec L’Atlantide a-t-il existé ? en 1924. On peut donc supposer que ce thème résonne chez des lecteurs des années 1940 et n’a pas la saveur exotique des super-héros ou des rayons de la mort à l’américaine. Toutefois, la référence à l’Atlantide n’est absolument pas explicitée le monde est désigné comme telle dans les premières cases, mais le sujet de la civilisation perdue n’est jamais réellement interrogé. Il s’agit bien d’une évocation de la tradition européenne, mais sur un mode mineur, sans influence sur le récit lui-même. Une science-fiction graphique entre réalisme et grotesque Car pour le reste, et particulièrement sur le style graphique, il faut bien avouer que l’influence américaine est manifeste. Cette influence ne se voit pas tant dans le choix des règles du dessin académique classique canons du réalisme anatomique dans la représentation humaine qui, après tout, sont connus en Europe depuis longtemps, que dans le fait d’associer ce réalisme au genre de l’aventure scientifique. L’influence d’Alex Raymond ou Burne Hogarth est réelle et permet, par rapport aux normes de la bande dessinée à la française » d’opérer quelques choix qui dynamisent le récit variétés des cadrages, du gros plan au plan d’ensemble, canons esthétiques hollywoodiens dans la représentation des héros, alternance entre dialogues en bulles et récitatifs en bas de case chez Calvo. Pour un dessinateur dont le style classique » n’est pas le dessin réaliste, il s’agit d’aller piocher dans les normes des comics de science-fiction et de fantasy importés des Etats-Unis qui rencontrent un grand succès depuis 1936 dans des revues comme Robinson, Hurrah ! et L’Intrépide. L’intrigue elle-meme, qui raconte l’affrontement entre un méchant roi et une bienveillante impératrice par l’intermédiaire de visiteurs terriens », est en partie un calque de l’intrigue de Flash Gordon. Nous sommes bien dans le cadre d’une guerre intergalactique, transposée artificiellement en Atlantide. Cette alternance de style ne doit pas surprendre elle est typique des années 1930-1940 et des mutations en cours de la bande dessinée pour la jeunesse. On la retrouve à la même période chez Pellos et chez Liquois mais aussi plus tard chez Jijé. Pellos, dessinateur humoriste, opte pour un style réaliste dès qu’il s’attaque à des thématiques d’aventures, dans Durga Rani et plus encore dans Futuropolis en 1938-1940. Calvo s’est déjà essayé au style réaliste au service de récits d’aventure à l’américaine » avec le western Tom Mix dans Les grandes aventures vers 1940. Dans le même temps, Calvo reste Calvo, et il ne peut se détacher d’une certaine forme de fantaisie graphique baroque », pour reprendre le terme de Thierry Groensteen. Cela se voit particulièrement dans la représentation des méchants » Kral et Nodji sont des trognes » dans la plus pure tradition de la caricature grotesque, le roi Kral possédant des traits presque simiesques. La couverture, seul élément en couleur, est très réussie elle mêle deux archétypes graphiques, celui de l’ogre pour Kral et celui du savant fou et malfaisant pour Nodji, et annonce d’emblée l’univers visuel et narratif qui sera celui de l’histoire, entre fantaisie médiévale et fantaisie scientifique. Cela se voit aussi dans la représentation des effets des inventions des deux camps, toujours plus inventifs les uns que les autres toile d’araignée couvrant la ville, rayon maléfique, monstres antédiluviens jaillissant des eaux… Ici aussi Calvo peut, dans les limites d’un objet à l’impression plutôt médiocre et en noir et blanc, s’amuser à proposer des effets graphiques détonants. Monstres antédiluviens et désordres climatiques les excursions de Calvo vers son baroque habituel sont rares dans La Croisière Fantastique, mais existent. En tant qu’inscrit dans une tradition de la science-fiction, La Croisière Fantastique est un objet impur il fait référence à un mythe de la tradition science-fictionnelle européenne, mai sans véritablement l’approfondir, il mêle dans son graphisme influence réaliste américaine et tradition du grotesque littéraire européen… Ces imperfections sont, dans le fond, en parfaite adéquation avec sa nature éditoriale, populaire et bon marché, au sein de la collection des Cahiers d’Ulysse. Les Cahiers d’Ulysse, collection de l’aventure graphique populaire La collection Les Cahiers d’Ulysse de l’éditeur SEPIA est selon Pierre Guérin cf biblio la meilleure série de récits complets sous l’Occupation ». Le récit complet » est une catégorie éditoriale de la bande dessinée des années 1930 à 1950 qui se caractérise par la parution mensuelle, dans une collection dédiée, de fascicules contenant chacun une histoire unique et entière. Cela par opposition à d’autres formes éditoriales périodiques comme le petit format ou bien sûr la revue qui rassemblent plusieurs histoires, pour certaines diffusées en épisodes suivis d’une livraison à l’autre. Les Cahiers d’Ulysse s’inscrit pleinement dans une tradition née dans les années 1930 et diffuse des récits complets d’aventures populaires qui exploitent tous les sous-genres du récit d’aventure western, science-fiction, récit de jungle, piraterie… En un sens, il s’agit de la version graphique des grandes collections de romans populaires pour adolescents et jeunes adultes présents chez des éditeurs comme Fayard ou Armand Colin. On va donc trouver dans Les Cahiers d’Ulysse d’autres bandes dessinées de science-fiction, comme Saturne contre la Terre de Giovanni Scolari déjà parue dans Le Journal de Toto en 1938 qui reprend le thème classique de l’invasion extraterrestre et, peut-être plus que Calvo, porte la marque des auteurs américains en se rapprochant du genre du space opera qui triomphera dans les années suivantes. Les deux récits sont assez proches l’un de l’autre dans leurs intrigues et leurs caractéristiques graphiques, même si Calvo reste davantage en retrait de la veine américaine. Giovanni Scolari – Saturne contre la Terre représentation fantaisiste de la guerre intergalactique Calvo, Scolari, Pellos, Liquois, sont à l’avant-garde d’une évolution cruciale de la science-fiction graphique. Ces auteurs, sous l’influence d’éditeurs inspirés par les méthodes américaines, sont en train de s’acclimater, et d’acclimater le grand public avec eux, à l’idée que la science-fiction se dessine dans un style spécifique, avec des caractéristiques propres. Ils normalisent », en accompagnant des évolutions éditoriales, un nouveau genre littéraire. L’aventure réaliste » se précisera encore et évoluera comme un genre à succès de la bande dessinée de l’immédiat après-guerre. Curieusement Calvo ne participera pas au grand mouvement de l’école française » vers le réalisme et préfèrera se concentrer sur son style animalier, sans doute plus personnel. Car finalement, que nous montrent des oeuvres comme Saturne contre la Terre de Giovanni Scolari ou Croisière Fantastique de Calvo ? Elles nous renseignent sur une période de transition durant laquelle naît une nouvelle forme de science-fiction graphique française, sous influence américaine, mais pas seulement. Elles montrent surtout à quel point cette évolution est liée à l’apparition de nouvelles formes éditoriales. Production sérialisée imprimée sur du papier de mauvaise qualité, exploité à plusieurs reprises sur des supports différents… Il s’agit bien d’une oeuvre de la culture de masse, ou de la culture populaire. La science-fiction s’essaye comme genre dans la bande dessinée des années 1938-1945 à travers des formules éditoriales qui feront son large succès après-guerre diffusion dans des périodiques bon marché, des récits complets et des petits formats adresse à l’enfant, à l’adolescent et au jeune adulte emprunt aux codes éditoriaux de la littérature populaire À travers le recours à des archétypes narratifs et visuels et à des choix esthétiques, le genre se construit, de façon encore incertaine en ces années pré-1945 références non-explicitées à des mythes connus qui rattachent d’emblée à la SF européenne Atlantide, invasion extraterrestre, voyage spatial…, comme le recours à un imaginaire non-américain traitement fantaisiste de la science rattachement d’emblée et exclusive au roman d’aventures choix graphique du réalisme anatomique académique, avec des visages qui semblent fortement influencés par le cinéma nez droit, menton marqué personnages archétypaux l’impératrice d’un monde perdu, bienveillante ou maléfique, le héros-ingénieur, savant fou maléfique un mélange constant entre science et magie l’impératrice ouvre magiquement un passage dans la montagne des monstres antédiluviens Le virage de la science-fiction des années 1940 est bien dans son rattachement au récit d’aventures populaires qui provoque sa démultiplication sur des supports à large diffusion. Et la démultiplication fonde la reconnaissance immédiate du genre. Elle devient une littérature de pulp, ce qu’elle n’était pas avant les années 1930, Saint-Ogan étant un des derniers représentants d’une tendance de science-fiction à l’ancienne » dans le cadre du merveilleux littéraire et de la fantaisie scientifique. C’est bien toute une grammaire qui se construit au fur et à mesure avec des oeuvres répétitives comme La Croisière fantastique ou Saturne contre la Terre où la sérialité et la répétition de motifs sont plus importantes que l’originalité propre à l’auteur. L’abandon par Calvo de son style personnel illustre bien les mécanismes éditoriaux de cette littérature, que nous décrivons ici, faut-il le préciser, sans jugement de valeur. Ce sont bien ces codes répétitifs qui vont être remis en cause à la fin des années 1960 avec des séries comme Valérian et Barbarella dont une des caractéristiques est justement de casser certains éléments stéréotypiques, qu’ils soient graphiques ou éditoriaux. Mais ceci est une autre histoire… ** Je terminerai par un post-scriptum Ceux de mes lecteurs qui connaissent bien la période et auront remarqué la date de publication de 1942 pourront s’étonner que je n’évoque pas la question de l’Occupation et les enjeux idéologiques, politiques et éditoriaux de la bande dessinée entre 1940-1945. J’ai préféré mettre de coté cette problématique maintes fois traitées et, à mes yeux, souvent trop parasitaire, et la questionner dans un prochain article. Références bibliographiques Pierre Guérin, Le collectionneur de bandes dessinées n°14-15, janvier 1979, Dossier Calvo sur Neuvième art Un article de Gilles Ratier sur le style de Calvo sur bdzoom

dessinateur de bd tourne vers la science fiction